MAPA CONCEPTUAL

DEFINICIÓN PERFORMANCE

El performance es un tipo de arte que desdibuja las líneas entre arte, museo, vida, obra y espectador, y donde el artista puede utilizar su corporeidad, por supuesto puede apoyarse de elementos visuales para manifestar o evidenciar algo.

Una performance o acción artística es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en la que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un papel principal.

CONCEPTO:

El término performance procede de la expresión inglesa performance art, con el significado de arte en vivo. Está ligado al Happening, al movimiento Fluxus, al Body art y, en general, al arte conceptual. Al principio de los años sesenta, artistas como George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, y Nam June Paik entre otros, empezaron a crear los primeros happenings y conciertos fluxus. El término performance comenzó a ser utilizado especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta, con artistas como Carolee Schneemann, Marta Minujín, Marina Abramovic y Gilbert & George entre otros.

La performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

La performance tiene parentescos con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.

VÍDEO PERFORMANCE

HISTORIA DEL PERFORMANCE

El término “Performance Art” tuvo sus inicios en los años 60 en Estados Unidos. Fue originalmente utilizado para describir cualquier evento artístico en vivo que incluyera poetas, músicos, cineastas, etc. en adición a las artes visuales.

Es apropiado aclarar que, aunque estamos hablando de los 60, existieron tempranos precedentes del Performance Art. En 1908 el Movimiento Futurista liderado por Marinetti planteaba en su Manifiesto Futurista incorporar todas las disciplinas del mundo intelectual y una de las características del Performance es que incluye poetas, artistas visuales, músicos y teatristas. Luego los dadaístas, en 1916, llevaron a cabo performance en vivo que incluyen poesía y artes visuales.

La escuela alemana del Bauhaus, fundada en 1919, incluyó un taller teatral para explorar las relaciones entre espacio, sonido y luces. El Black Mountain College (fundado en Estados Unidos) por instructores del Bauhaus exiliados, continuaron incorporando estudios teatrales con las artes visuales esto, 20 años antes de los 60.

A finales de la década del 50 tuvieron lugar las acciones de Kaprow. Robert Morris realizó “performances en 1965. Yves Klein a finales de los 50 y durante los 60. Joseph Beuys y Yoko Ono, fueron artistas asociados a Fluxus, un movimiento muy orientado hacia el arte del performance. Aunque el término no había sido acuñado, todas estas acciones constituyeron antecedentes del arte de performance.

Ya en 1970, el “Performance Art” era un término global y su definición un poco más específica. “Performance Art” significaba que era en vivo y era arte, no teatro. También significaba que era un arte que no podía ser comprado, vendido o intercambiado como comodidad. Realmente, esta última característica era la de mayor importancia. Los artistas de Performance veían (y ven) el movimiento como un medio para expresar su arte directamente al público.

En adición a los artistas visuales, poetas, músicos y cineastas, el arte del Performance incluyó, en la década del 70, la danza (sin perder de vista que no se trata de teatro). En algunas ocasiones, todas estas expresiones artísticas son incluidas en una pieza de Performance. Otra característica es que, como el Performance es en vivo, no hay dos performance exactamente iguales.

En los 70 se hizo también popular el “Body Art” (una vertiente de Performance Art), que comenzó en los 60. Desde inicios de los 80 y hasta nuestros días, el Performance ha ido crecientemente incorporando medios tecnológicos a las piezas.

CARACTERÍSTICAS PERFORMANCE

Las características del performance son las siguientes:
- El trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo.
- La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar.
- Se puede iniciar en cualquier momento y puede tener cualquier duración.
- La performance involucra cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del performer y una relación entre el performer y el público.
- Sus disciplinas pueden ser multidisciplinarias.
- En un acto de performance se suelen apreciar diferentes facetas que ocurren al mismo tiempo, como es la danza, la música, el teatro y la pintura.
- Se toma como base el desnudo para este tipo de arte, aunque no es una condición, solamente es una característica un aporte que el artista le da a su obra, lo esencial es que el artista se sienta identificado y ligado con su representación.

LA PERFORMANCE. UNA FORMA DISTINTA DE APRENDER

En el proceso de enseñanza-aprendizaje tradicional lo que importa es que el alumno adquiera una serie de conocimientos, destrezas, habilidades… que le permitan desarrollar su personalidad y formarse profesionalmente.  Se aprende de forma memorística y erudita, siendo el profesor el protagonista.

Al tratarse de un aprendizaje memorístico suele ser muy teórico y poco práctico. Lo importante para ¨aprobar¨ en este sistema educativo es dominar la materia de manera formal,  sin fomentar el pensamiento divergente. Lo importante es el resultado final no el proceso, que se evalúa mediante pruebas objetivas.

Este modelo tiene sentido en una sociedad sin cambios científicos, pero actualmente estamos en una sociedad en continuo cambio donde pierde sentido esta manera de enseñar.

Por lo que según Vergara, 2011

Teniendo claro lo que no se debería hacer en el aula y adaptándonos a la sociedad en la que vivimos y sus necesidades, la performance es un recurso artístico idóneo.

Ya que se trata de una actividad multidisciplinar donde no se hace distinción por asignaturas, pero se trabaja Educación Plástica,  Educación Física, Literatura, Música, Historia del Arte…

TALLERES INFANTILES PERFORMANCE

Hemos encontrado un taller muy útil,  ya que es válido tanto para padres como para niños y educadores. El nombre de este es ¨talleres de performance e iniciación al arte contemporánea para niños y padres¨ y está dirigido a niños de 3 a 10 años.
Estos talleres pretenden crear situaciones que van más allá de lo que se suele considerar como acto artístico y parten de los hechos pedagógicos de la performance, que permiten aprender a mirar el arte de nuestro tiempo como algo cercano y accesible. Alejándonos de la idea de que el arte es solo pintar en una hoja y conociendo mediante el juego conceptos como la performance, el arte sonoro, las instalaciones, etc.
Los niños trabajan y crean sus propias situaciones a través de la experimentación consigo mismo, con su alrededor, con el tiempo y con las relaciones con el juego a través de la plástica, la música, etc.
Además de que los niños/as trabajen de este modo, existe la posibilidad de que compartan con sus padres estas experiencias.
Este proyecto de pedagogía performativa iniciado en el 2010, ha recorrido numerosas instituciones, centros culturales, ferias y eventos artísticos.

Si este artículo resulta de interés podéis obtener más información y contactar en:
http://rubenbarroso.com/talleres/talleres-para-ni%C3%B1os-performance-workshops-for-children/

VENTAJAS DE LA PERFORMANCE EN EDADES TEMPRANAS

La performance puede llevarse al aula de manera adaptada, debido a que trabajar a través de esta tiene diversas ventajas:
- Acercar a los alumnos al arte contemporáneo.
- Desarrolla la creatividad y el pensamiento divergente.
- Permite  una forma libre de exploración, expresión y comunicación.
- Incorporación natural de la música, la danza, el lenguaje corporal, la poesía, el teatro, el video, la fotografía y el dibujo.
- Profundización en las relaciones sociales con sus compañeros, ya que de esta forma se trabaja en grupo.
- Permite que los niños tengan más autoconfianza.
- Controlar y conocer su esquema corporal.

TIPOS DE PERFORMANCE

• Happening: Manifestación multidisciplinaria, caracterizada por la participación de los espectadores; mantiene afinidades con el teatro de participación.

• Fluxus: Acción improvisada, no tiene un “libreto” de antemano. También se le conoce como “arte-diversión”. Autoproclamo como anti-arte, rechazaba la comercialización del arte. Organizado en 1962 por George Maciunas (1931-11978). Originario de Alemania con expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.

• Body Art o Arte Corporal: Estilo de gran relevancia en los años 60 en Europa y especialmente en Estados Unidos. Se trabaja con el cuerpo como material plástico: se pinta, se calca, se ensucia, se cubre se retuerce… el cuerpo es el soporte del trabajo artístico. Suele realizarse con una documentación fotográfica o videográfica, tanto del proceso, como del resultado. En el libro “Contract with the Skin: Masochism, Performance Art and the 1970´s” de Kathy O´Dell se presenta el Body Art como un talento o un reto contra el cuerpo mismo.  
• Sniggling: Típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando un acto artístico.

• Action Art: conocida generalmente por Jackson Pollock (Action painting). Tuvo su auge en Nueva York. Relacionado al “Aktionismus” europeo, conocidos por las “acciones” más atrevidas del arte que fueron desde la actividad pictórica, hasta rituales sexuales que incluían orgías, exhibicionismo y bestialismo. El arte de acción se le unió el “Arte de Proceso” cual incluye la participación multitudinaria para lograr un objetivo. Ejemplo: Plantación del árbol “Kaki” en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico por el artista chileno Elías Adasme.

•  Intervenciones: acción artística que opera modificando una o más de las propiedades del espacio en el que se desarrolla, como el uso de una determinada parte de un museo para un fin “ no convencional”. Ejemplo: Edificios o espacios cubiertos con tela por Christo.

•  Acción Poética: acción basada en su mayoría en la poesía y la literatura.

• Collage: Surge en el Cubismo y con las exploraciones con los materiales y texturas del artista alemán Kurt Schwitters (1887-1948), el collage derivó hacia  el relieve pictórico que dio paso en 1957 al “Assemblage”. La obra de “Assemblage” está compuesta de materiales o fragmentos de objetos diferentes agrupados de un modo no predeterminado por su uso. Estas técnicas fueron consideradas dentro de los movimientos relacionados al Performance por su dependencia a los procedimientos y usos “tergiversados” de los materiales.

DIFERENCIA ENTRE HAPPENING Y PERFORMANCE

Aunque es común confundir el happening con el performance el primero difiere de la segunda por la improvisación, dado que es difícil una improvisación real, por la imprevisibilidad de la participación de los “espectadores”. Sin esta participación no habría happening sino una performance.

HAPPENING

Definción Happening

Happening proviene de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso. Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores.

La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva.

El happening, como manifestación artística múltiple que pretende la participación espontánea del público, suele ser efímero. Por este motivo los happenings suelen presentarse en lugares públicos, irrumpiendo en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son las instalaciones coloristas del fotógrafo Spencer Tunik, con sus multitudes desnudos.

ALLAN KAPROW, EL PADRE DEL HAPPENING

Allan Kaprow nació en Atlantic City, Estados Unidos, en 1927. Alumno de Hans Hoffman, sus inicios estuvieron marcados por el expresionismo abstracto primero y después por el collage. En el año 1959, su exposición 18 Happenings in 6 parts, marcó el comienzo de una nueva forma de arte que incluía actividades que requerían la participación del espectador y que se extendió por Europa y Estados Unidos. Falleció en Encinitas, California, el 5 de abril.

Allan Kaprow ocupó un lugar esencial en la historia del arte del siglo XX al estar en el origen y desarrollo de la forma de arte que denominamos happening, del que se le considera unánimemente su fundador. Su obra 18 happenings in 6 parts que tuvo lugar en la Reuben Gallery de Nueva York en otoño de 1959, bautizó con este nombre, happening, una compleja serie de actividades de artistas norteamericanos y europeos que consideraban que el arte no podía desligarse de la vida y en el que el espectador entraba a formar parte de la obra de arte. Murió el pasado miércoles 5 de abril de causa natural en su casa de Encinitas, California, a los 79 años de edad.

La trayectoria artística de Kaprow se inicia en el campo de la pintura siendo alumno de Hans Hoffmann en Nueva York. A partir de 1952 fue abandonando el expresionismo abstracto para pasar al collage, realizado con materiales diversos (papel de periódico, fotografías, telas, comida...), a los objetos y al espacio. En sus ensamblages de objetos diversos, realizados para unos espacios determinados, el espectador fue adquiriendo un papel cada vez más importante.

El curso de música experimental dirigido por John Cage en la New School for Social Research de Nueva York (en 1956-1958) tuvo a su vez para Kaprow una influencia fundamental en su interés por crear una forma artística que aproximara el arte a la vida.

Sus environments se mostraron inicialmente en importantes galerías y museos: Beauty parlor (1957-58), en la Hansa Gallery de Nueva York; Stockroom (1960), en el seno de la exposición Motion in art del Moderna Museet de Estocolmo; Yard (1961), realizado en el jardín de la Martha Jackson Gallery de Nueva York; Push and pull (1963), esponsorizado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York; todos ellos ponían en cuestión la noción de escultura para ser ambientes transitables y perecederos.

Paralelamente, sus primeros happenings tenían lugar en espacios fuera del circuito artístico: apartamentos, almacenes, gimnasios... como su famoso Courtyard (1962). En l970 pasó a llamarlos actividades. Sus obras se dedicaban a hacer perceptibles pequeños gestos cotidianos y a involucrar a los participantes, orquestando microeventos.

Cuando lo invité a crear una acción en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, en septiembre de l995, ideó Clean, en donde dos performers limpiaban el patio, ya impoluto, del Centro, mientras otros dos limpiaban paralelamente el hall, todos conectados mediante walkie-talkies. En la mesa redonda final, que congregó al artista y sus participantes, Kaprow dijo que "limpiar es sólo desplazar la suciedad de una parte a otra". Y añadió: "He aprendido mucho de vuestras historias; quizá haya algo de zen en ellas: la expresión personal".

Desde los años sesenta, Kaprow ha estado presente en importantes exposiciones como Happening & Fluxus, en la Kölnischer Kunstverein, Colonia, en 1970, o, más recientemente, Hors limites, en el Centro Georges Pompidou y el MACBA de Barcelona (1994).

Sus escritos constituyen una contribución esencial en el campo del arte alternativo de los sesenta y los setenta, que tanto influiría a la joven generación actual: Assemblage environments happenings fue publicado en 1966; Untitled essays and other works, en 1967; Sweet wall, testimonials, en 1976, y Essays on the blurring of art and life, en l993.

FLUXUS

Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales en especial, pero también de la música, la literatura y la danza. Tuvo su momento más activo entre la década de los 60 y los 70 del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como un movimiento artístico sociológico. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón. 

Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional.

Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“. 

Como Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Según Robert Filliou, es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine". Asimismo Filliou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la realidad cotidiana, e invierte la propuesta de Duchamp, quien a partir del Ready-made, introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano.